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 Parle-nous de ton nouveau titre « Ban’Elaka ». Et qui sont les enfants de la promesse ?

Déjà c’est tout le monde, donc dans ce contexte-là, je voulais plus parler des difficultés, des mauvais vents de la vie, les choses négatives qui nous arrivent et il faudrait garder en tête qu’il y a toujours une promesse derrière. C’est lié aussi à la religion. Et avec ça, je les gens commencent à m’orienter vraiment vers le gospel. Mais après, moi, quand je suis inspiré ça se passe comme ça… c’est aussi influencé par l’environnement. On est plus inspiré par des choses qui nous entourent. Et, cette année a commencé un peu mouvementée pour moi. En tout cas, ceux qui m’ont suivi, ils ont compris que 2026 est un peu chaud dès l’entame de l’année. Des chansons comme Ban’Laka, moi-même, personnellement, ça me réconforte et ça me donne l’envie de ne pas lâcher.

Tu chantes Ban’Laka en duo avec Pson. Comment ça s’est passé et pourquoi lui ?

Avec Pson, c’est une histoire de famille, c’est depuis près de 12 ans quand il est arrivé tout jeune, que j’ai collaboré avec lui. J’ai vu en lui le Pson d’aujourd’hui il y’a 12 ans, j’ai su voir déjà son talent à l’époque. J’ai chanté avec Pson quand personne ne le connaissait. J’ai collaboré avec lui sur cette chanson déjà parce que c’est un bon auteur et je signale que c’est lui qui a écrit cette chanson et je me suis dit pourquoi ne pas la chanter ensemble. Je suis très fier de lui et je demande juste aux mélomanes de suivre cette chanson qui a un message très fort.

La tendance actuelle c’est de la musique festive et toi tu reviens avec de l’émotion. Pourquoi ?

J’aime bien faire danser les gens et j’ai dans mon répertoire des titres qui font danser, mais je ne me vois pas beaucoup dans ça. Ceux qui me connaissent le savent, dès l’entame de ma carrière, j’ai sorti le titre « C’est beau d’être en famille ». À cette époque il y avait les artistes un peu plus chauds plus festifs, mais j’ai su trouver ma place avec une telle mélodie. Et c’est vrai qu’il faut aussi suivre la tendance, c’est important, mais de temps en temps, je dois ralentir un peu. Je dois revenir à moi. Les gens doivent écouter, la musique c’est l’écouter. Ça bouge un peu beaucoup aujourd’hui, parce que tout le monde veut faire danser, c’est bien. Mais moi, j’utilise la musique comme dans sa définition, une expression de l’âme. Il faut que j’exprime des choses que je ressens à des périodes, à des moments donnés. Et c’est très important pour moi et pour ma carrière.

Pour les gens qui te suivent, qui attendent souvent tes sorties, on a l’impression que tu disparais, tu réapparais. Pourquoi cette forme d’inconstance ?

Je vais répondre à cette question par une expression. “Tout ce qui est naturel ne peut pas être régulier.” Vous n’allez pas dire à la saison sèche de se rallonger…  Mjoe reste quelqu’un de naturel. Je ne force pas les choses. Déjà que le talent est un don, de temps en temps, quand on a un projet, on se lance, on est présent. Mais à un certain moment, vu que c’est naturel, c’est humain, il faudrait par moments disparaître, on se prépare, et puis on revient.

En 2009, quand tu lances ta carrière solo. Aujourd’hui en 2026, est-ce la carrière que tu as imaginée il y a 17 ans ?

Waouh ! Ça, c’est une très belle question ! Bon, je dois d’abord rentrer en 2009, quand je suis arrivé. J’avais plutôt des très grands rêves à l’époque, genre je voulais un face à face avec Corneille, chanter une chanson avec lui… J’ai rêvé de plein de choses. Mais en même temps, on a visé plein de choses qu’on n’a pas encore réalisé. On est y travaille encore. Comparativement à des grands noms de la musique congolaise, mes 17 ans de carrière ne représentent pratiquement rien. Il faudrait qu’on continue à travailler.

À quel moment tu as décidé de faire de la musique un métier ?

Déjà que j’ai commencé très jeune, à l’église Kimbanguiste à Kinshasa, et il y’a l’influence de ma mère qui a été d’une grande importance. J’y ai appris à jouer la flûte, c’est là où on m’a donné l’image sur le solfège, je suis allé approfondir un peu à l’école jusqu’à aller à l’INA. Mais bon, quand j’étais à l’église, je ne pensais pas à une carrière dans la musique. C’était juste le plaisir de chanter.

Mais le moment où je me suis dit, bon voilà, je vais en faire ma profession, c’est quand j’ai eu mon diplôme d’état en 2005. Et j’ai commencé d’ailleurs mes études universitaires à l’UNIKIN, où j’ai envisagé faire la médecine.

Je me suis dit, vu que c’était des années élastiques, je migre vers la bucco-dentaire. Après huit mois d’étude, j’ai commencé la mi-session en bucco-dentaire, mais avec l’organisation de l’UNIKIN qui n’était aussi claire, mon nom a été affiché en pharmacie ! C’est là que me suis dit, bon, il y a peut-être un message qui se cache, c’est un signe. Derrière ce désordre, il fallait convaincre mon père pour quitter de l’UNIKIN à l’INA. Et c’était les moments les plus difficiles et c’est là que je suis dit que ma carrière va peut-être marcher. Et à Kinshasa, on te demande d’intégrer un groupe pour te lancer, t’as pas de chance du tout si tu fais ta carrière comme je l’ai fait à Lubumbashi et c’était vraiment difficile. Aujourd’hui mon père est fier de moi et maintenant il a l’âge de ne plus travailler et il n’est pas inquiet.

Estimes-tu qu’il soit impératif de lancer des défis TikTok pour assurer le succès d’un titre en 2026 ?

J’ai eu une réunion dernièrement avec la communauté des TikTokers. On a rigolé, parce que moi, je ne voyais pas vraiment l’impact de tout ça, mais il faut s’y faire. Quand les gens changent de direction, il faut suivre. Donc, pas forcément réussir un projet via les challenges, mais n’empêche que ça ne coûte rien de faire des challenges. Et surtout que ça pousse, ça booste les chansons. Moi, je pense qu’il faudrait juste s’adapter.

Tu as traversé le temps avec ta musique, quel regard tu portes à la nouvelle génération d’artistes et quel conseil peux-tu leur donner ?

J’aime bien ce qu’ils font, ils ont beaucoup de chance aujourd’hui, ils ont beaucoup de chance parce que c’est plus facile aujourd’hui de se lancer dans une carrière qu’à notre époque. En 2009 je me voyais courir un peu partout avec ma guitare sur les plateaux de télévision. Aujourd’hui, quelqu’un peut se faire connaître avec juste son smartphone. Moi, je n’aurais peut-être pas beaucoup de conseils parce que la tendance de musique qu’ils sont en train de faire est liée à la technologie. Un artiste comme The Gucci, par exemple, c’est un DJ, c’est un rappeur, il fait tout à la fois. Nous, on est plutôt ces artistes-là qui, jouent à la guitare, qui apprennent un instrument harmonique.

Des conseils, je peux aller plutôt dans ce sens-là. Je vais aller vers ces jeunes artistes qui ont de la passion pour les instruments harmonique. Par exemple, Manu Lux, je l’ai écouté. Je sais sa façon de faire. Et si j’ai deux, trois choses à lui dire, c’est de continuer à travailler dans ce sens, de s’identifier dans les choses qu’il souhaiterait communiquer. Je ne sais pas s’il joue à un instrument harmonique, je pense qu’il fait bien son travail et il a beaucoup d’avenir. Mais pour la tendance, la musique dansante, la musique d’ambiance, je n’ai vraiment pas beaucoup de conseils.

Peux-tu résumer ta carrière en un mot ?

Waouh ! Ma carrière en un mot ! c’est tellement beaucoup de choses, je ne sais pas donner un non ça ne sera pas suffisant parce qu’on a connu beaucoup des moments difficiles et ça continue, parce qu’on n’a pas les mêmes opportunités. On est en train de se battre comme on peut, mais ça reste la passion. En un mot, je parlerais plus de la passion, vous travaillez dans des conditions très, très difficiles mais vous ne lâchez pas. Vous pouvez vous accrocher que par votre passion voilà.

Pour finir Mjoe ! Peux-tu te poser une question et y répondre ?

On ne me l’a jamais faite celle-là ! Voici la question : Mjoe qu’est ce qui te manque pour atteindre le côté international que tu as toujours rêvé ? Et la réponse : Il faut prendre des initiatives maintenant, cette année on prend des initiatives, voilà.

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Le brouhaha est assourdissant sous les immenses verrières de Paris Expo Porte de Versailles. Autour de nous, des investisseurs pressés en costumes stricts, des écrans géants qui scintillent et le futur qui se dessine en temps réel. VivaTech, le plus grand salon de l’innovation européen, bat son plein. Mais dans cette édition, le pouls de la technologie bat à un rythme différent. Un rythme venu tout droit du fleuve Congo.

Loin des vieux clichés misérabilistes, la République Démocratique du Congo s’est imposée comme le véritable porte-drapeau de l’innovation africaine lors de ce rendez-vous mondial. Entre les stands, on ne parle plus seulement de notre sous-sol, mais de nos esprits créatifs. Rencontre avec ces Congolais qui bousculent les codes.

Le stress du pitch, l’adrénaline de la réussite

« C’est un tournant considérable, une nouvelle dynamique anime désormais le pays », glisse l’un des accompagnateurs de la délégation congolaise. Et cela se ressent visuellement. Dans les allées du pavillon Afrique, les fondateurs kinois peaufinent leurs présentations sur des tablettes. Chaque minute compte pour convaincre les « business angels » internationaux qui défilent. Le regard est concentré, la poignée de main est ferme.

Prenez le cas de Hoja. Née d’une urgence locale, cette application ambitieuse sécurise les trajets en taxi à Kinshasa. Ce qui impressionne les investisseurs parisiens face à ces fondateurs, c’est cette capacité inouïe à transformer un défi quotidien, lié à la sécurité urbaine, en une solution technologique imparable montée en partenariat avec l’Hôtel de Ville. D’ailleurs, son efficacité n’est plus à prouver : elle lui a valu le prix de la startup la plus prometteuse lors de la grand-messe de l’AfricArena Kinshasa Summit en 2026.

L’humain au cœur de la machine

L’autre force de frappe de cette délégation, c’est l’utilité sociale viscérale de ses projets. Les entrepreneurs congolais ne codent pas pour faire joli ; ils répondent à des besoins vitaux. Schoolap, par exemple, capte tous les regards des curieux. Cette Edutech audacieuse offre des tablettes et une connexion internet inestimable aux enseignants dans les zones les plus reculées du pays. À Paris, le public découvre avec admiration que la tech congolaise est avant tout une tech d’impact.

Mais ces jeunes pousses ne voyagent pas seules. Derrière leur assurance parisienne se cache la puissance d’un écosystème qui se structure. Des incubateurs comme Silikin Village, un hub bouillonnant installé dans la concession Cotex à Kinshasa, arment ces talents avant le grand saut. « L’impact de la communauté, des conseils et des ressources mutualisées » est le carburant secret qui leur permet d’arriver à VivaTech la tête haute et les dossiers solides.

De Paris à Kinshasa : l’inspiration comme moteur

L’expérience VivaTech ne s’arrête pourtant pas aux portes de Paris. Elle agit comme un puissant catalyseur pour l’économie locale. L’énergie accumulée en France redescend directement sur le continent. C’est exactement ce qu’a vécu l’entrepreneur Noel K. Tshiani : percuté par le bouillonnement de VivaTech, il a décidé de lancer le Congo Business Summit à Kinshasa pour stimuler et fédérer notre propre écosystème.

L’Afrique a compris que le digital était son arme absolue, et sa capacité d’innovation n’est désormais plus à prouver.

Une nouvelle ère assumée

Nos entrepreneurs ne sont plus de simples invités curieux qui observent le futur ; ils en sont les architectes. Ils prouvent brillamment que les solutions de demain, celles qui allient résilience, ingéniosité et fort impact social, sont actuellement conceptualisées dans les bureaux de Gombe ou de Lubumbashi. La RDC ne se contente plus de rattraper son retard numérique, elle exporte sa vision. Et le monde, enfin, s’arrête pour regarder.

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La RDC présentera ses œuvres dans ce bâtiment emblématique du XVe siècle, joyau de la Renaissance vénitienne inscrit au patrimoine italien. Le contraste est vertigineux — et voulu. La création congolaise la plus contemporaine, dans l’un des espaces les plus historiques de Venise. Un dialogue entre deux civilisations. Un pied d’égalité enfin revendiqué.

Au cours d’une conférence de presse tenue le 21 mars 2026, la ministre de la Culture Yolande Elebe a officialisé la participation de la RDC à cette 61e édition, prévue du 9 mai au 22 novembre 2026.  Mais derrière l’annonce officielle, c’est toute une stratégie qui se dévoile.

« Simba Moto » — Tenir le feu

Le titre du pavillon congolais ne laisse rien au hasard. Simba Moto — « tenir le feu » en lingala — dit à lui seul l’intention : ne pas laisser s’éteindre ce qui brûle depuis toujours en terre congolaise. La créativité. La résilience. L’urgence de dire.

En choisissant ce thème, la RDC entend affirmer sa résilience, sa continuité créative et sa capacité à se projeter vers l’avenir. Le pavillon sera le reflet d’un pays qui, au-delà de ses défis, porte une scène artistique bouillonnante, des arts visuels à l’installation contemporaine, en passant par les expressions héritées d’une histoire riche.

La direction curatoriale est assurée par Nadia Yala Kisukidi, philosophe et intellectuelle congolaise de premier plan, sous le commissariat de Cindy Makiana. La commissaire entend mettre en avant le capital humain, un récit qui vise à faire entendre la voix de la RDC, au-delà des discours centrés sur les minerais, la souffrance et le regard misérabiliste souvent porté sur le pays.  « Ce qui restera, c’est toujours les Congolaises et les Congolais », a-t-elle déclaré lors du lancement.

Les neuf voix du Congo à Venise

Neuf artistes de divers horizons constituent la programmation officielle du pavillon : Sammy Baloji, Arlette Bashizi, Patrick Bongoy, Damso, Gosette Lubondo, Nelson Makengo, Aimé Mpané, Léonard Pongo et Géraldine Tobé.

Ces créateurs proviennent des ateliers de Kinshasa, des espaces du Haut-Katanga, des résiliences du Nord-Kivu et des perspectives de la diaspora — une délégation qui incarne la géographie complexe et fertile d’une nation entière.

À travers sculpture, photographie, installation et film, le pavillon examine l’histoire politique et culturelle du Congo tout en abordant des enjeux contemporains : mémoire coloniale, extraction des ressources, transformation sociale et résistance artistique.

Parmi eux, Sammy Baloji est sans doute le plus connu sur la scène internationale. Né en 1978 à Lubumbashi, résidant entre Bruxelles et sa ville natale, il est sculpteur, vidéaste, photographe et plasticien. Il explore les mémoires historiques et les identités contemporaines de la RDC, interrogeant les héritages durables de la colonisation belge. Il a reçu le titre de Chevalier des Arts et des Lettres en France, le Prix Prince Claus aux Pays-Bas, et a été pensionnaire à la Villa Médicis à Rome. Sa présence simultanément dans le pavillon national congolais et dans l’exposition principale de la Biennale confirme son statut d’artiste de renommée mondiale.

Un modèle inédit : quand l’État et Damso construisent ensemble

Ce qui distingue cette participation des précédentes tentatives, c’est son architecture. L’initiative est portée par le ministère de la Culture, Arts et Patrimoine sous l’impulsion de la ministre Yolande Elebe, et soutenue par la Fondation Damso. Un partenariat public-privé rare dans le paysage culturel congolais — et qui envoie un signal fort.

Pour les artistes congolais, cette participation représente une visibilité mondiale, des opportunités de résidences et d’expositions internationales, ainsi qu’une valorisation financière accrue de leurs œuvres.

Il faut aussi préciser le contexte historique : en 2024, la RDC avait déjà été présente à la Biennale avec l’exposition du collectif d’artistes CATPC. Mais 2026 marque l’entrée officielle du pays avec un pavillon national dédié — une étape historique.

Ce que Venise dit vraiment du Congo

La Biennale de Venise, c’est les Jeux Olympiques de l’art contemporain. Y avoir un pavillon national, c’est exister dans le concert des nations créatrices. Pas comme sujet d’étude. Comme producteur de sens.

La ministre Elebe l’a dit sans détour lors du lancement : « Nous ne venons pas simplement participer. Nous venons nous positionner. Nous venons raconter la République Démocratique du Congo autrement, avec justesse et ambition. »

Dans un contexte où l’Est du pays reste sous le feu de l’actualité sécuritaire, la participation culturelle de la RDC se veut un cadre de plaidoyer subtil et puissant. L’art comme diplomatie. La création comme contre-narration. Le Congo ne demande plus la permission d’exister aux yeux du monde — il impose sa vision.

Questions à Gosette Lubondo, photographe congolaise au pavillon RDC

Gosette Lubondo est l’une des artistes les plus remarquées de sa génération. Ses séries photographiques entre imaginaire et mémoire congolaise ont circulé dans les plus grandes institutions. Nous lui avons posé trois questions avant Venise.

Buzzz : Qu’est-ce que représente Venise pour vous personnellement ?

« Venise, c’est la confirmation que ce que nous faisons depuis Kinshasa a une résonance universelle. Ce n’est pas qu’on arrive dans leur monde — c’est qu’on leur montre que le nôtre existait déjà. »

Ce pavillon arrive dans un moment difficile pour le pays. Comment l’art peut-il porter quelque chose face à ça ?

« L’art ne résout pas la guerre. Mais il dit que la vie continue. Que nous pensons, créons, rêvons. Que le Congo est plus que ses crises. C’est peut-être le message le plus important qu’on puisse envoyer en ce moment. »

Que voulez-vous que les visiteurs venus du monde entier retiennent ?

« Que la beauté congolaise est complexe, profonde, multiple. Pas exotique. Pas pitoyable. Vivante. »

Le 9 mai 2026, les canaux de Venise refléteront aussi le Congo-fleuve. Et dans les salles de la Scuola Grande di San Marco, neuf artistes congolais diront au monde ce que le monde attendait d’entendre — sans le savoir.

Simba Moto. Le feu, on le tient.

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Il y a des coups discrets qui font plus de bruit que tous les communiqués de presse. En ce mois de mars 2026, pendant que la planète entière commentait l’apparition de JAŸ-Z sur la couverture de GQ Magazine — masque Songye sur le visage, fond de tissu Kuba derrière lui — une information circulait en sous-bruit dans les cercles congolais : c’est l’un des nôtres qui a tout conçu.

Milandou Badila, alias Young Paris, 37 ans, artiste congolais signataire du label Roc Nation, était là. Pas en tant qu’interprète. Pas en tant qu’invité. En tant qu’architecte visuel d’un moment culturel qui a propulsé le patrimoine de la République Démocratique du Congo devant des millions d’yeux, dans l’une des publications masculines les plus influentes du monde.

Fils du Ballet, né entre trois continents

Pour comprendre Young Paris, il faut remonter à l’histoire de sa famille — une histoire qui ressemble déjà à un roman.

Son père a cofondé le Ballet National du Congo, une compagnie dont la formation a joué un rôle important dans la construction de l’unité nationale durant les turbulences de l’indépendance dans les années 1960, unissant des villages entiers par la danse. Sa mère, dramaturge et danseuse, avait rejoint la compagnie de son père à Paris après une tournée internationale.

Milandou naît à Paris — dixième enfant d’une fratrie d’artistes. Ses premiers souvenirs des visites au village familial près de Brazzaville sont faits de chaleur, de communauté, de vie collective intense. Quand la famille s’installe à New York, il a environ sept ans — mais les allers-retours vers le Congo et Paris se poursuivent, forgeant chez lui une identité à trois dimensions, une sensibilité culturelle rare.

C’est dans cette maison de costumes colorés, de percussions et de chorégraphies que germe un artiste qui ne ressemblera à aucun autre.

Le Congolais qui a conquis Roc Nation sans avoir rencontré Jay-Z

Diplômé des beaux-arts de l’Université d’Utica, Young Paris envisageait d’abord une carrière dans le stylisme, avant que le rap ne s’impose — presque naturellement — lors de sessions informelles sur son campus universitaire.

En 2016, il signe chez Roc Nation, le label de Jay-Z, via une connexion avec Law Parker, le manager de Jay Electronica. L’ironie de l’histoire ? Il intègre l’écurie de Jay-Z sans même avoir rencontré le mogul au moment de la signature. Ce n’est pas Jay-Z qui a repéré Young Paris — c’est Young Paris qui a construit, patiemment, méthodiquement, le chemin qui menait à lui.

Depuis, il n’a pas seulement fait de la musique. Il a porté le Congo sur chaque scène, chaque shooting, chaque collaboration. Il porte le maquillage blanc traditionnel sur le visage pour célébrer son père disparu et prolonger la tradition de sa région d’origine. Il a lancé le hashtag #MelaninMonday, une série d’images et de contenus éducatifs pour promouvoir la beauté mondiale des peaux mélanisées. Il a été publié dans Vogue, Harper’s Bazaar, Billboard, REVOLT.

Et puis il y a eu GQ.

La couverture qui a tout changé

En couverture du numéro d’avril 2026 de GQ, Jay-Z arbore le masque Kifwebe Songye, originaire du Kasaï, sur fond de tissu Kuba — deux emblèmes du patrimoine culturel de la RDC. Ce n’est pas un hasard stylistique. C’est une décision éditoriale, artistique, politique. Et Young Paris en est l’un des architectes.

Ce numéro est le premier grand numéro spécial global de GQ sous la direction du nouvel éditeur Adam Baidawi — autrement dit, le numéro fondateur d’une nouvelle ère pour le magazine. Et c’est le Congo qui l’ouvre.

La ministre congolaise de la Culture, Yolande Elebe Ma Ndembo, a officiellement félicité Young Paris pour avoir saisi cette occasion de mettre en lumière son pays, précisant que Jay-Z apparaît avec un masque Songye appelé Kifwebe sur fond de tissu Kuba, créant une connexion entre deux patrimoines majeurs de la RDC.

Cette visibilité internationale intervient juste après la signature, le 23 janvier 2026, d’un arrêté ministériel consacrant les motifs et tissus Kuba comme patrimoine culturel national — l’État congolais se dotant d’un cadre juridique pour protéger ces symboles et affirmer clairement leur origine.

Ce que cette histoire nous dit de nous

Young Paris n’est pas arrivé à Roc Nation par chance. Il y est arrivé par cohérence — une cohérence entre qui il est, d’où il vient, et ce qu’il veut dire au monde.

Quand il parle de sa démarche, il évoque la nécessité de reconnecter les Noirs américains à leurs racines africaines, souvent brisées par l’histoire de l’esclavage, et de renverser les normes de la beauté dans les médias. Ce n’est pas du militantisme de façade — c’est une mission de vie, héritée d’un père qui dansait pour unifier un pays.

La leçon est simple, et elle est immense : le meilleur ambassadeur du Congo, ce n’est pas une institution. Ce n’est pas un communiqué. C’est un artiste qui a grandi entre Paris, New York et Kinshasa, qui a refusé de choisir entre ses identités, et qui a transformé cette multiplicité en une force que le monde entier reconnaît aujourd’hui.

Le Congo n’a pas attendu que GQ vienne le chercher. Il a envoyé Young Paris en éclaireur.

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Il y a des images qui restent. Kinshasa, janvier 2022 : Félix Tshisekedi, entouré de Gims et Dadju, accorde aux deux frères le statut d’ambassadeur culturel du pays lors d’une cérémonie officielle au palais présidentiel. Franceinfo Gims, ému, déclare vouloir « porter le Congo avec fierté partout ». Quatre ans plus tard, c’est la France qui le reçoit — mais autrement. Les agents de l’Office national anti-fraude l’attendent à la sortie de l’avion.

Le rappeur Gims, plus gros vendeur de disques de l’année 2025, a été interpellé le mercredi 25 mars 2026 à l’aéroport Roissy-Charles-de-Gaulle. L’artiste de 39 ans, de son vrai nom Gandhi Djuna, a été placé en garde à vue dans le cadre d’une enquête pour blanchiment d’argent en bande organisée, une information confirmée par le Parquet national anti-criminalité organisée. Purepeople

Le choc est immense. Dans les communautés africaines de Paris, de Bruxelles, de Kinshasa, les téléphones s’enflamment. Parce que Gims n’est pas n’importe qui. Il est l’un des nôtres qui a réussi là-bas, plus haut que tous.

Un réseau, des sociétés, un palace à Marrakech

L’affaire ne sort pas de nulle part. Les juges parisiens enquêtent sur un réseau de blanchiment international et complexe, impliquant une multitude de sociétés spécialement constituées dans différents pays pour contourner la TVA et d’autres taxes françaises, faciliter l’émission de fausses factures, et blanchir des fonds provenant d’activités illégales. Franceinfo

Le dossier aurait déjà permis de mettre en cause cinq anciens trafiquants de drogue de la région parisienne qui se seraient reconvertis dans la criminalité financière. Les investigations portent notamment sur un projet immobilier de luxe situé à Marrakech, au Maroc : le Sunset Village Private Residences, un complexe haut de gamme que Gims a activement promu. Purepeople

Un complexe de 118 villas, lancé en grande pompe. Des images de piscines à débordement, de lagons privés, de résidences qui sentent l’argent frais. Gims, visage du projet, en fait la promotion auprès de ses millions d’abonnés. Rien, en surface, ne laisse présager la tempête judiciaire en dessous.

La qualification de blanchiment en bande organisée est particulièrement lourde sur le plan pénal. Elle suppose l’existence d’une organisation structurée ayant pour objectif de dissimuler l’origine de fonds provenant d’activités illégales. Purepeople Ce n’est pas une accusation de fraude fiscale artisanale. C’est une enquête de grande ampleur, menée sur commission rogatoire par des juges spécialisés.

L’ascension vertigineuse — et ses angles morts

Pour comprendre où Gims en est arrivé, il faut mesurer la hauteur de la chute potentielle. Fils de Djuna Djanana, figure légendaire du Zaïko Langa Langa, Gandhi Djuna arrive en France dans les années 1990 avec sa famille, réfugiée. Il construit tout à la force de sa voix et de son instinct. Sexion d’Assaut, puis la carrière solo — un titre, deux, dix. Des disques de platine, puis d’or, puis des records. En 2025, il écoule près de 600 000 exemplaires pour son dernier album, « Le nord se souvient : L’odyssée », devenant ainsi le plus gros vendeur de disques de France pour cette année-là. La Gazette France

Cet homme est une machine à succès. Et c’est précisément ce succès qui appelle à la question difficile : comment une telle trajectoire artistique peut-elle côtoyer, de près ou de loin, un réseau de blanchiment présumé impliquant d’anciens trafiquants de drogue ?

La réponse n’est pas simple. Et elle ne doit pas être simpliste.

Le piège de la diversification tous azimuts

Il faut nommer un phénomène réel, documenté, qui touche bien au-delà de Gims. Les grandes stars africaines de la musique — comme leurs homologues américains ou européens — sont depuis dix ans poussées à « devenir des entrepreneurs ». Labels, marques de vêtements, parfums, investissements immobiliers. L’artiste seul sur scène est un modèle du passé. L’artiste-CEO est l’idéal contemporain.

Ce mouvement est légitime. Il est même nécessaire dans un secteur musical structurellement précaire. Mais il crée des angles morts. Des partenariats signés trop vite. Des associés mal vérifiés. Des projets où le nom de l’artiste sert de vitrine — parfois à son insu, parfois avec sa complicité. Les artistes, par leur notoriété, sont parfois instrumentalisés dans des montages financiers complexes, que ce soit avec ou sans leur pleine conscience. Generations

C’est le vrai sujet que cette garde à vue soulève. Pas seulement la culpabilité ou l’innocence d’un homme — une garde à vue ne constitue pas une condamnation, et il convient d’attendre les résultats de l’enquête. Jeune Afrique Mais la vulnérabilité structurelle des artistes africains lorsqu’ils s’aventurent dans des univers financiers complexes, souvent sans les garde-fous adéquats.

Le Congo observe, suspendu

Le gouvernement congolais a officiellement demandé des explications aux autorités françaises. Pour Kinshasa, cette interpellation constitue une atteinte au statut de représentant culturel du pays conféré à Maître Gims. Jeune Afrique La RDC rappelle que le passeport diplomatique facilite les formalités de voyage, mais n’accorde pas d’immunité judiciaire dans le cadre d’une procédure pénale de droit commun. Jeune Afrique

Cette précision juridique dit tout. La grandeur symbolique d’un titre ne protège pas des réalités du droit. Gims était « ambassadeur de la rumba congolaise inscrite à l’UNESCO ». Aujourd’hui, il est entendu dans des locaux de douanes judiciaires à Ivry-sur-Seine.

Pour Gims, qui réside entre Marrakech et Dubaï, cette affaire prend une dimension diplomatique délicate. Titulaire d’un passeport diplomatique et proche du président Tshisekedi, il incarne aussi l’influence culturelle de la République démocratique du Congo à l’international. Orange

Ce que cela nous dit — à nous

Il serait facile de jeter des pierres. Trop facile. Gims reste présumé innocent. Les enquêtes aboutissent parfois à des non-lieux, parfois à des mises en examen, parfois à des condamnations. Rien n’est écrit.

Mais l’affaire nous oblige à une réflexion collective. Nos icônes ne sont pas infaillibles. Leur succès ne les met pas à l’abri des erreurs de jugement, des mauvaises fréquentations, ou des pièges d’un monde financier qui n’t attend que leur nom pour fonctionner. Célébrer nos stars africaines — et nous le faisons avec fierté — ne signifie pas les mettre au-dessus des questionnements.

La vraie loyauté envers nos artistes, c’est de leur souhaiter non seulement le succès sur scène, mais aussi les bons conseils, les bons entourages, et les bons réflexes en dehors. Parce qu’une icône rattrapée, c’est une part de nos rêves collectifs qui vacille.

Et ceux-là, on tient à les garder debout.

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Il y a une image qui revient souvent quand on évoque la musique congolaise à l’étranger : celle d’un genre brillant, explosif, profondément africain — mais cantonné aux cercles de la diaspora, aux salles communautaires, aux nuits de quartier. Cette image est en train de mourir. Et c’est un fils de Bandal qui lui donne le coup de grâce.

Les 2 et 3 mai 2026, Fally Ipupa se produira au Stade de France à l’occasion de ses 20 ans de carrière solo — devenant ainsi le premier artiste africain à réaliser un double Stade de France. Deux soirs. Deux fois 80 000 personnes. Un chiffre qui dépasse l’entendement quand on se rappelle d’où tout a commencé.

Du bégaiement aux lumières du monde

Fally Ipupa Nsimba est né le 14 décembre 1977 à Kinshasa. Il grandit à Bandal, commune rythmée par les boîtes de nuit, bars et terrasses, et berceau du mythique groupe Wenge Musica. Durant son enfance, l’artiste était extrêmement timide, en raison d’un bégaiement qui marquera son rapport à la voix et à la scène. Il commence à chanter dans la chorale de l’église. Ce gamin introverti qui trottait dans les rues poussiéreuses de Bandal ne savait pas encore qu’il deviendrait l’homme qui ferait danser un stade entier à Paris.

En 1999, il rejoint le groupe Quartier Latin International de Koffi Olomidé, où il gravit rapidement les échelons pour en devenir le compositeur principal. Sept ans d’école, sept ans à affiner son art sous l’œil du maître. Puis, en 2006, le saut dans le vide. Il signe chez Obouo Music et sort son premier album solo, Droit Chemin — un succès immédiat qui le propulse au rang de référence de la musique congolaise.

La suite, c’est une ascension méthodique, brique par brique. Le 7 avril 2007, il devient le premier artiste congolais de sa génération à se produire à l’Olympia de Paris à guichets fermés. Puis le Zénith. Puis Bercy. Puis l’Accor Arena. Le 25 novembre 2023, il devient le premier artiste africain francophone à se produire à Paris La Défense Arena devant plus de 40 000 spectateurs. Et maintenant, le Stade de France. Deux fois.

La rumba conquérante

Ce qui rend ce moment encore plus fort, c’est le contexte dans lequel il s’inscrit. En décembre 2021, la rumba congolaise a été inscrite sur la Liste représentative du patrimoine culturel immatériel de l’humanité par l’UNESCO. Une reconnaissance mondiale d’un héritage qui remonte aux royaumes d’Afrique centrale, qui a traversé l’Atlantique, s’est transformé à Cuba, est revenu sur les rives du Congo — et n’a jamais cessé de vivre.

En alliant rumba, pop et sonorités urbaines, Fally Ipupa a créé un son hybride, très moderne, capable de parler autant à Kinshasa qu’à New York. Avec Booba, Ninho, Aya Nakamura, MHD, M. Pokora, Dadju — les collaborations ont construit des ponts entre continents, entre générations, entre publics. Il est aujourd’hui l’artiste francophone le plus streamé sur Boomplay et le plus suivi des artistes congolais sur les réseaux sociaux.

Ce concert dépasse le simple cadre d’un show. Il traduit l’émergence des artistes africains sur la scène mondiale et leur aptitude à transcender les frontières. Il y a quelques décennies, les grands anciens de la rumba n’avaient jamais voulu s’exporter hors du continent, où ils gagnaient largement leur vie. Fally Ipupa, lui, a fait le choix inverse — et il est en train de gagner ce pari avec une élégance qui force le respect.

Un message pour les rêveurs de Kinshasa

Il y a quelque chose de profondément symbolique dans le fait que ce soit un homme sorti des quartiers populaires de Kinshasa qui ouvre cette porte-là. Pas une star construite en laboratoire, pas un produit de l’industrie musicale occidentale. Un Congolais, formé à l’école de la rue et de la scène, porteur d’une langue — le lingala — que le monde apprend désormais à reconnaître et à chanter.

L’artiste a lui-même résumé ce que représente cet événement : « De Kinshasa à Paris, de l’Afrique au reste du monde. Ce concert, c’est pour tous ceux qui m’ont soutenu depuis le début. »

Ces mots ne sont pas de la rhétorique. Ils sont l’expression exacte de ce que vivent des millions de fans — en RDC, au Congo-Brazzaville, en Belgique, en France, au Canada, aux États-Unis. Pour toute une diaspora qui a parfois douté de sa place dans le monde, ce double Stade de France est une réponse. La preuve que l’Afrique n’est pas seulement un réservoir de culture brute à exporter — elle est aussi capable de produire des icônes globales, sur ses propres termes.

Vingt ans, et la route devant

Pour marquer ces vingt ans de carrière, Fally Ipupa annonce également la sortie de son huitième album, intitulé XX : « 2006 – 2026, 20 ans de musique, 20 ans de passion, de combats, de partage. »

Un album, deux Stades de France. La question n’est plus de savoir si la musique congolaise peut conquérir le monde. Elle est déjà en train de le faire. Le concert du Stade de France n’est pas une fin — c’est un apogée, un moment de communion, et une voie lumineuse tracée pour les rêveurs et les talents de demain.

Le 2 mai 2026, quand 80 000 voix chanteront en lingala sous les projecteurs de Saint-Denis, quelque chose d’irréversible se sera produit. La rumba congolaise ne sera plus jamais regardée de la même façon. Et ça, c’est une victoire pour tout un peuple.

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C’est ce qui rend cette histoire si singulière. Dans un monde où les artistes vieillissent vite, où les modes s’enchaînent et les tendances s’essoufflent en quelques mois, un groupe fondé sous Mobutu, présent au combat Ali-Foreman en 1974, joue aujourd’hui sur les mêmes plateformes que les artistes de vingt ans. Et il les joue bien.

Le « Style Zaïko » : une révolution permanente

Zaïko n’a jamais eu peur de casser les codes. Précurseur du rythme « Cavacha », le groupe a révolutionné la musique congolaise en supprimant les instruments à vent au profit d’une mise en avant spectaculaire de la guitare solo et de la batterie. À l’époque, c’était audacieux. C’était Zaïko. Depuis sa création, le « Style Zaïko » — mélange de rumba hyper rythmée et de funk — a immédiatement enflammé les dancings de Kinshasa et, quelques années plus tard, les pistes de danse des capitales européennes et américaines.

Depuis la fin des années 1960, le collectif mené aujourd’hui par Jossart Nyoka Longo a façonné une manière de faire de la rumba qui doit autant au feu de la rue qu’à la rigueur d’un orchestre. Ce n’est pas une formule. C’est une philosophie. Zaïko a toujours été un groupe de corps autant que de notes — une musique qui s’adresse aux pieds avant de toucher la tête.

Avec Makinu, cette philosophie n’a pas changé. Elle s’est actualisée. Le premier extrait, Mbrouss, présente une chorégraphie imparable et un groove irrésistible — pensés pour les réseaux sociaux, mais sans jamais renier l’ADN du groupe. Zaïko crée une danse virale en 2025 exactement comme il créait des danses en 1975 : avec l’intention de faire bouger les gens, partout, immédiatement.

Makinu : quatre titres, une densité intacte

Ce nouveau disque comporte quatre titres : Mbrouss, Awa Te, la reprise Souvenir Masa et Chez Pana Fereira, une composition de Zola Tempo, arrangeur de ce projet. Les trois premiers morceaux sont signés Jossart Nyoka Longo M’vula, figure emblématique et gardien du temple de Zaïko Langa Langa.

Quatre titres seulement. Mais quelle densité. Makinu montre comment le « Style Zaïko » continue de respirer, guidé par l’instinct collectif et l’énergie vivante de ses musiciens. On y retrouve cette signature sonore que rien n’a réussi à imiter en plus d’un demi-siècle : un groove qui s’installe sans prévenir, des guitares limpides, un rythme qui commande au corps avant même que l’esprit ne décide.

Le clip Awa Te ! met en scène l’élégance, la modernité et la puissance scénique qui ont fait la renommée du groupe. Entre chorégraphies maîtrisées, ambiance urbaine et esthétique contemporaine, la vidéo illustre parfaitement la nouvelle direction artistique de Zaïko : un pont entre tradition et innovation. C’est exactement là que réside le talent de cet orchestre. Non pas dans la rupture, ni dans la répétition, mais dans ce pont — difficile à trouver, impossible à forcer — entre ce qu’on a été et ce qu’on devient.

L’homme qui tient le temple

Derrière cette longévité extraordinaire, il y a un homme. Né le 7 septembre 1953 à Kinshasa, Jossart N’Yoka Longo s’impose comme le principal dirigeant de Zaïko Langa Langa depuis 1984. Soit plus de quarante ans à la tête d’un orchestre exigeant, vivant, imprévisible. Un record dans un milieu musical où les dissolutions et les reformations s’enchaînent.

Au total, Jossart N’Yoka Longo a participé vocalement à 31 albums studio officiels de Zaïko Langa Langa sur 33, et a publié plus d’une cinquantaine de singles durant les années 1970 et début 1980. Deux de ses compositions ont été sacrées meilleures chansons de l’année par la presse zaïroise. En décembre 2015, l’État congolais le décore dans l’Ordre des Héros nationaux.

Mais ce qui frappe le plus chez cet homme de soixante-douze ans, c’est son rapport aux générations suivantes. Lors d’un passage récent sur TV5 Monde, il a salué le rôle des nouvelles générations dans le rayonnement de la rumba congolaise, affirmant : « Nos jeunes frères font du bon travail… ce sont eux qui vont nous remplacer pour porter le flambeau de la culture et de la rumba congolaise. » Une posture rare. Un gardien du temple qui ouvre les portes plutôt que de les verrouiller.

Une institution qui refuse de se refermer

Le groupe ne fonctionne plus comme une formation classique. C’est une institution, un organisme vivant, un morceau entier de l’histoire congolaise. Et c’est précisément pour cette raison que Zaïko vieillit si bien. Une institution qui se fige meurt. Celle-ci pulse, innove, surprend.

La rumba congolaise, inscrite au patrimoine immatériel de l’UNESCO depuis décembre 2021, rayonne aujourd’hui sur tous les continents — et Zaïko en est l’un des visages les plus vivants. Makinu est disponible sur toutes les plateformes, et le groupe offre quatre titres qui condensent son savoir-faire et sa vitalité.

Cinquante-cinq ans. Un EP qui cartoune. Une danse virale. Et des concerts à venir. Zaïko Langa Langa ne se rappelle pas au bon souvenir du monde. Il rappelle, tout simplement, qu’il n’est jamais parti.

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Il y avait deux options. Se décaler. Attendre que la Fashion Week parisienne finisse de déverser son flux de journalistes, d’acheteurs et de célébrités. Puis occuper l’espace libéré, discrètement, sans déranger. C’est ce que certains conseillaient à Africa Fashion Up. Share Africa et sa CEO Valérie Ka ont choisi l’autre option.

« Nous avons fait le choix d’inscrire Africa Fashion Up dans la dynamique de la Fashion Week 2026. C’est une décision réfléchie. Il ne s’agit pas de se mettre en marge, mais d’assumer pleinement notre place », dit Valérie Ka. La formule est posée, sans effets de manche. Mais ce qu’elle contient est considérable : la mode africaine revendique son siège à la table principale. Pas une table à part.

Un tremplin au cœur de la mécanique mondiale

Africa Fashion Up a été fondé en 2020 par Valérie Ka, top-modèle franco-ivoirienne. En cinq éditions, le programme s’est imposé comme la première grande manifestation parisienne dédiée à la mode africaine contemporaine, avec plus de 24 pays représentés, 40 créateurs accompagnés et plus de 850 candidatures reçues.

Pour sa sixième édition, la formule reste identique dans ses ambitions mais gagne en densité. Cinq talents sélectionnés par un jury international seront accueillis à Paris pour une semaine immersive : masterclasses, rencontres avec des acheteurs, visites chez Balenciaga, aux Galeries Lafayette, à HEC Paris et à l’Istituto Marangoni. Le tout se conclut par un défilé à Paris, devant des professionnels internationaux.

Ce dispositif est la clé pour comprendre pourquoi l’enjeu dépasse le symbole. Africa Fashion Up n’est pas un simple défilé, c’est un dispositif d’accompagnement : visibilité, rencontres avec des acheteurs, échanges avec des partenaires, structuration de business. Se positionner pendant la Fashion Week, c’est précisément capter le moment où toute l’industrie mondiale est en alerte, prête à repérer la prochaine vague.

Le contraste comme force

La stratégie est limpide : profiter de l’énergie générale sans se dissoudre dans le décor. Africa Fashion Up conserve son identité propre avec sa sélection de jeunes créateurs africains. C’est dans cet écart que réside la valeur. Au milieu des grandes maisons avec leurs budgets vertigineux et leurs storytellings huilés, la fraîcheur des créations africaines — leurs tissus, leurs coupes, leurs références culturelles profondes — offre ce que nul budget marketing ne peut acheter : la surprise authentique.

Le marché de la mode en Afrique représentait environ 31 milliards de dollars en 2020. Un chiffre qui continue sa progression. Mais ce qui se joue à Paris en ce printemps 2026 n’est pas seulement une affaire de marché. C’est une question de récit. Qui raconte la mode africaine ? Depuis où ? Avec quelle légitimité ?

Le Quai Branly répond

La réponse arrive aussi du côté de la Seine, à quelques kilomètres. Après avoir conquis New York, Chicago, Melbourne et Montréal, l’exposition Africa Fashion, conçue par le Victoria and Albert Museum de Londres, arrive à Paris au Quai Branly — Jacques Chirac, du 31 mars au 12 juillet 2026.

Le parcours en sept sections relie les mouvements d’indépendance africains des années 1950 à la scène mode actuelle — des tissus commémoratifs aux silhouettes de Thebe Magugu et Imane Ayissi. Soixante ans d’histoire textile condensés en une exposition que l’Occident accueille aujourd’hui, alors que ce génie créatif n’a jamais cessé d’exister.

Au cœur du parcours, une section entière rend hommage à cinq figures fondatrices de la mode africaine moderne — Shade Thomas-Fahm, Chris Seydou, Kofi Ansah, Alphadi, Naïma Bennis — dont les trajectoires traversaient les frontières bien avant que la mondialisation ne devienne un concept en vogue. Des pionniers que les grands récits de la mode ont systématiquement relégués en bas de page.

Placée sous le commissariat de Christine Checinska, conservatrice du département Africa and Diaspora : Textiles and Fashion au Victoria and Albert Museum, l’exposition adopte une approche inventive : penser la mode comme un langage culturel, politique et social. Le vêtement comme prise de position. Le tissu comme manifeste.

Paris, enfin

Ce qui se passe en ce printemps 2026 à Paris n’est pas une tendance. Ce n’est pas un « moment africain » de plus, aussi vite apparu que disparu. C’est la convergence de deux projets portés sur le long terme — l’un par une femme qui a décidé de consacrer son réseau à la génération suivante, l’autre par des institutions qui reconnaissent enfin ce que les créateurs du continent ont toujours su.

Paris, capitale historique de la mode, accueille enfin cette reconnaissance institutionnelle de la créativité africaine. Le mot « enfin » n’est pas un reproche. C’est un point de départ.

La mode africaine ne demande plus la permission d’entrer. Elle est déjà dans la salle.

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